Las 25 mejores películas de 2025, según los críticos de la BBC

Vemos a Agnes en el presente, cuando su mejor amiga Lydia (Naomi Ackie) la visita en la universidad de Nueva Inglaterra donde enseña, pero la película también nos lleva a unos años atrás, cuando ella y Lydia eran estudiantes universitarias y Agnes fue agredida sexualmente por uno de sus profesores.

Victor narra los días previos y posteriores a la agresión con franqueza y un humor sarcástico e impasible, de modo que un drama potencialmente sombrío se convierte en una oda peculiar y agridulce a la resiliencia y la amistad femenina.

Lo más destacable es que Sorry, Baby (“Lo siento, cariño”) es la ópera prima de Victor como guionista y directora, y sin embargo ya ha establecido un estilo y un tono propios inconfundibles. (NB)

Bradley Cooper ha dirigido hasta ahora tres películas relacionadas con las artes escénicas: A Star is Born abordó la música rock, “Maestro” se centró en la música clásica e Is This Thing On? (“¿Está funcionando esto?”) se sumerge en el mundo de la comedia stand-up de poca monta.

Probablemente sea apropiado, entonces, que sea la más informal, íntima y divertida de las tres.

El coguionista de la película, Will Arnett, interpreta a un ejecutivo financiero hastiado que se ha distanciado de su esposa (Laura Dern). Una noche, se sube a regañadientes al escenario de un club de comedia de Nueva York, solo para evitar pagar la entrada.

Pero, para su sorpresa, descubre que el stand-up le permite abrirse y hablar de sus problemas, además de recordarle que la mediana edad puede ser algo más que la paternidad y un trabajo de 9 a 5.

Basada en las experiencias de John Bishop, un comediante británico de Liverpool (de ahí que Arnett lleve a veces una camiseta del Liverpool), esta cálida comedia dramática muestra lo difícil que puede ser el matrimonio, al tiempo que sugiere que puede merecer la pena. (NB)

La audaz obra original de Paul Thomas Anderson tiene el ritmo y el humor de una comedia disparatada, al tiempo que presenta un conmovedor drama familiar y una trama muy seria sobre gobiernos autoritarios y conspiraciones racistas.

Milagrosamente, consigue que todo parezca fácil, sin un solo momento de aburrimiento.

La película se ve impulsada por su reparto estelar. Leonardo DiCaprio está en su mejor momento cómico como el caótico exradical Bob Ferguson, con Benicio del Toro, Sean Penn y Teyana Taylor en vívidos papeles secundarios.

Con peso intelectual, Anderson canaliza los temas sociales y políticos de la novela Vineland, de Thomas Pynchon, que inspiró la película.

Y DiCaprio y Chase Infiniti, como su hija, añaden una calidez emocional que no siempre se asocia con Anderson. Y también hay escenas de acción trepidantes y apasionantes, con persecuciones de coches y tiroteos.

One Battle After Another (“Una batalla tras otra”) es simplemente una de las mejores películas del año. (CJ)

La farsa satírica de Park Chan-wook, basada en una novela de Donald Westlake, es otro gran triunfo del director coreano de Oldboy y “La doncella”.

Lee Byung-hun interpreta a un veterano gerente de una fábrica de papel que está completamente satisfecho con su carrera, su esposa, sus hijos y su vida en general.

Pero el orgullo precede a varias caídas. No puede creerlo cuando de repente lo despiden. Y se sorprende aún más cuando ninguna otra empresa lo contrata.

Con su hogar familiar en peligro y el futuro de sus hijos en juego, decide convertirse en un Mr. Ripley sin mucho talento y comienza a asesinar a los candidatos rivales para el trabajo que desea.

Eojjeolsuga eobsda (“No hay otra opción”) es una extravagante comedia negra repleta de giros imaginativos, personajes estrafalarios e ideas descabelladas.

Pero Park se preocupa profundamente por su desventurado antihéroe y plantea preguntas muy pertinentes sobre los efectos de los recortes de empleo masivos y la inteligencia artificial. (NB)

Este emocionante drama hace que todos los tópicos del thriller político parezcan nuevos, ya que el director y guionista Kleber Mendonça Filho ilustra con destreza la forma insidiosa en que el poder corrupto del gobierno en la cima se filtra para arruinar la vida de la gente común.

El tono único de la película se establece desde el principio, cuando un texto en pantalla nos sitúa en el Brasil de 1977, descrito como “una época de gran maldad”, una forma decididamente discreta de describir el país bajo una dictadura.

Wagner Moura es dinámico y aporta todo su carisma al papel de Marcelo, un profesor apolítico que se cruza con un oligarca vinculado al gobierno y se convierte en blanco de un asesinato.

La película mezcla géneros e influencias con facilidad, ofreciéndonos una celebración carnavalesca, una red de resistencia clandestina, una conmovedora relación entre Marcelo y su hijo pequeño, y asesinos involucrados en un sangriento tiroteo.

Una película intensa, llena de suspenso y fascinante, Mendonça Filho consolida su reputación como uno de los mejores directores de la actualidad. (CJ)

En términos de impacto puro y visceral, ninguna otra película estrenada este año puede compararse con Sawt Hind Rajab (“La voz de Hind Rajab”).

Escrita y dirigida por la tunecina Kaouther Ben Hania, la película recrea un incidente desgarrador ocurrido en enero de 2024: una niña palestina de 5 años quedó atrapada entre los restos de un auto en Gaza, aterrorizada por la posibilidad de que un tanque israelí abriera fuego, y, en sus últimas horas antes de morir, habló por teléfono con unos voluntarios de la oficina de la Media Luna Roja Palestina.

Los actores interpretan a los voluntarios, que intentan desesperadamente conseguir una ambulancia para rescatarla, pero la voz al otro lado de la línea es una grabación de la propia Hind Rajab.

El efecto de esta devastadora mezcla de documental y drama es que un thriller tenso en el que el tiempo corre se convierte en una imagen cruda, casi insoportable, de la brutalidad de la guerra.

Las dos últimas películas de Ben Hania fueron nominadas a los Oscar. “La voz de Hind Rajab” debería ser la tercera consecutiva. (NB)

A pesar de su título (Affeksjonsverdi, “Valor sentimental”), la gran fortaleza de este elocuente drama familiar es su tono sincero, pero poco sentimental, ya que explora la compleja dinámica entre un padre que es un brillante director de cine y las dos hijas adultas con las que intenta, bastante tarde, establecer un vínculo emocional.

Stellan Skarsgård ofrece la que podría ser la mejor interpretación de su larga y variada carrera en el papel del padre, Gustav Borg, al que retrata como un artista egocéntrico sin complejos que, sin embargo, siente un amor y una preocupación genuinos por sus hijas.

El guionista y director Joachim Trier consigue interpretaciones igualmente realistas y matizadas de Renate Reinsve, en el papel de su hija ansiosa y desconfiada, una actriz, e Inga Ibsdotter Lilleaas, en el papel de la hija menor, que protege a su hijo pequeño y a su hermana.

Elle Fanning, en el papel de una actriz que Borg elige para su película, contribuye con naturalidad a transmitir el tema de cómo el arte se entrecruza con la vida y la complica.

“Valor sentimental” comienza con una mirada a la casa de la familia Borg en Oslo, un emblema perfecto de la forma en que esta atractiva película hace sentir a los espectadores que han entrado en un hogar y han sido testigos de estas relaciones entre padre e hijas y entre hermanos, con toda su cautela y su anhelo de amor. (CJ)

Jafar Panahi se ve ahora obligado a rodar sus películas en secreto, ya que las autoridades iraníes le han prohibido dirigir.

Tras haber cumplido dos condenas de prisión, acaba de recibir otra sentencia de un año y una prohibición de viajar.

No es de extrañar, dadas las circunstancias, que su última obra, Yek tasadef sadeh (“Un simple accidente”), sea tan ferozmente crítica con el régimen.

Lo que sí sorprende es que rebose tanta humanidad, optimismo y humor absurdo.

Vahid Mobasseri interpreta a Vahid, un mecánico que escucha por casualidad una conversación y reconoce la voz del guardia que lo torturó cuando era preso político.

Decide secuestrar a su torturador, pero hay un pequeño inconveniente: a Vahid le vendaron los ojos en la cárcel, por lo que no puede estar completamente seguro de que sea el hombre adecuado.

La única solución que se le ocurre es recorrer Teherán en auto y pedir consejo a sus compañeros exprisioneros.

La ingeniosa comedia de errores de Panahi fue una digna ganadora de la Palma de Oro, el máximo galardón del Festival de Cine de Cannes de este año. (NB)

Timothée Chalamet interpreta al héroe más improbable —un joven egoísta que se abre camino en la vida con engaños y sueña con convertirse, nada menos, que en campeón de ping-pong— y lo convierte en un personaje infinitamente fascinante en esta película de época de Josh Safdie, ambientada en el Lower East Side de Nueva York en la década de 1950.

Chalamet define con precisión al alegre, enérgico y locuaz Marty Mauser como un tipo tan decidido a salir adelante que ni siquiera se da cuenta de lo despiadado que es.

Su interpretación se resiste inteligentemente a la tentación de pedirnos que amemos al personaje; basta con comprenderlo.

A lo largo de las cómicas aventuras de Marty por todo el mundo, en las que se cruza con una antigua estrella de cine (Gwyneth Paltrow, impecable en el papel), un criminal y el marido de su novia, entre otros, la interpretación de Chalamet encaja a la perfección con el humor seco, a veces absurdo, y la energía cinética de la película.

Marty Supreme (“Marty Supremo”), un divertido estudio de personajes disfrazado de película deportiva, es tan animada y entretenida que resulta irresistible, incluso cuando su imperfecto héroe no lo es. (CJ)

La tercera entrega de la saga de misterio Knives Out (“Puñales por la espalda”), de Rian Johnson, es al menos tan entretenida como las dos anteriores.

Como de costumbre, vemos a Benoit Blanc, interpretado por Daniel Craig con su elegante traje, resolviendo enigmas desconcertantes y burlando a villanos malvados.

Y, como telón de fondo de todas estas travesuras, asistimos a una sátira forense de los sectores más privilegiados de la sociedad estadounidense.

En la primera entrega de “Puñales por la espalda”, los hijos privilegiados de los ricos eran el blanco de la lupa de Johnson; en Glass Onion, eran los hipsters tecnológicos y los influencers vacíos; y en Wake Up Dead Man, son los líderes religiosos apocalípticos y los políticos que los explotan.

En un bonito contraste con el extravagante y racionalista Blanc, Josh O’Connor interpreta a un joven sacerdote sincero que se enfrenta al predicador apocalíptico de Josh Brolin. (NB)

La carrera de Jim Jarmusch está llena de películas reflexivas y bellamente elaboradas que a veces se subestiman porque parecen muy sencillas, por lo que fue un reconocimiento muy esperado cuando su última película ganó el León de Oro, el máximo galardón, en el Festival de Cine de Venecia de este año.

Este trío de historias independientes, cada una ambientada en una ciudad diferente y con un reparto estelar distinto, vuelve a ser más complejo, ambicioso y profundo de lo que podría parecer.

Cada segmento tiene su propio tono, pero todos comparten el tema de los hijos adultos y los padres que se malinterpretan o no se conocen, incluso cuando intentan entenderse.

Los segmentos van ganando en seriedad.

Hay comedia mordaz cuando Adam Driver y Mayim Bialik, como hermanos distantes, visitan a su padre (Tom Waits) en Nueva Jersey.

Cate Blanchett y Vicky Krieps son hermanas que toman el té con su madre (Charlotte Rampling) en Dublín, en un drama realista de frías conexiones perdidas.

Y hay un aire elegíaco y un sentido de la historia en el segmento de París, con Indya Moore y Luka Sabbat como hijos de expatriados estadounidenses.

Con su estilo fluido habitual y más conmovedor que nunca, Jarmusch dice más sobre la familia en cada sección relativamente breve que la mayoría de los cineastas en horas. (CJ)

Weapons (“La hora de la desaparición”) comienza a las 02:17, una noche en un suburbio sin nombre, cuando 17 niños pequeños de la misma clase de primaria se levantan de sus camas, salen de sus casas y huyen en la oscuridad.

A partir de ese momento, los angustiados vecinos tienen que lidiar con la pregunta de qué ha pasado y por qué.

La solución al misterio sobrenatural resulta ser sencilla, pero Zach Cregger, guionista y director de Barbarian (2022), toma un camino inusualmente tortuoso hacia su impactante final, mostrando los acontecimientos tal y como los viven varios personajes sucesivamente: la amargada profesora de los niños (Julia Garner), su agobiado director (Benedict Wong), un padre enfadado (Josh Brolin), un policía atribulado (Alden Ehrenreich) y otros.

A lo largo del camino, Cregger demuestra su magistral control de innumerables elementos de terror, desde silencios que ponen los nervios de punta hasta escenas gore que te dejan sin aliento, desde un surrealismo espeluznante hasta un humor sorprendente.

Pero es el brillante mosaico de la vida cotidiana estadounidense lo que hace que Weapons sea única.

Con influencias de Magnolia, de Paul Thomas Anderson, y Short Cuts, la adaptación de Raymond Carver por Robert Altman, parece un tipo de película de terror completamente nuevo. (NB)

Este emocionante y reflexivo thriller se inspira en High and Low, de Akira Kurosawa, de 1963, pero es puro Spike Lee, lo cual es un gran elogio.

Denzel Washington interpreta a David King, un magnate de la industria musical cuyo hijo adolescente es secuestrado para pedir rescate, aunque resulta que el secuestrador se ha equivocado y ha secuestrado al hijo del asistente de King (Jeffrey Wright).

¿Pagará King, que está sin dinero, por el hijo de otra persona?

Lee da forma a ese dilema moral con sus tropos habituales, mezclados en una película fluida. Su profunda conciencia de la raza y la clase aparecen como cuestiones sociales omnipresentes.

Hay imágenes deslumbrantes, como el lujoso ático de King en Brooklyn, repleto de obras de artistas negros. Hay música vibrante, que va desde el rap hasta la salsa, pasando por una banda sonora orquestal completa.

Y, mientras King se enfrenta al secuestrador, hay una persecución electrizante por el metro de Nueva York durante la concurrida celebración del Día de Puerto Rico.

Washington está en su mejor momento (sin exageraciones) y A$AP Rocky ofrece una actuación impecable en un papel secundario.

Hay algunas líneas de diálogo didácticas, pero eso es habitual en las películas de Spike Lee. Apasionante y virtuosa, Highest 2 Lowest (“Del cielo al infierno”) no podría haber sido obra de nadie más. (CJ)

Danny y Michael Philippou dieron un impresionante salto de youtubers a directores de largometrajes con su escalofriante película de terror Talk to Me en 2022, y la siguiente obra de los gemelos australianos es aún mejor.

Bring Her Back (“Haz que regrese”) es una historia meticulosamente construida y con una atmósfera pegajosa sobre un hermano y una hermana huérfanos, interpretados por Billy Barratt y Sora Wong, que son enviados a vivir con una madre adoptiva de acogida, quizás demasiado acogedora, interpretada por Sally Hawkins.

La clave es que los Philippou se toman el terror y el drama de la película con la misma seriedad.

En lugar de recurrir a sustos baratos o giros artificiales, cuentan una historia emocionalmente poderosa sobre personas tridimensionales en un entorno creíble; da la casualidad de que esta historia en particular involucra posesiones demoníacas y zombis devoradores de carne.

Es apasionante, visceralmente intensa y lo suficientemente distintiva como para consolidar a los hermanos como dos de los mejores cineastas de terror actuales.

Y si los votantes de los Oscar prestaran más atención al género, Hawkins sería una de las candidatas al premio a la mejor actriz. (NB)

Jane Austen sabía que el dinero y el matrimonio están entrelazados para siempre, y Celine Song ha trasladado inteligentemente esa idea, junto con una gran dosis de ironía, al siglo XXI en esta deliciosa comedia romántica.

Materialists (“Materialistas”) puede parecer una comedia romántica tradicional, pero rompe con cualquier idea preconcebida del género y ofrece una visión clara de las relaciones en nuestro mundo materialista.

Song tiene la habilidad de sacar lo mejor de su brillante reparto, con Dakota Johnson en el papel de Lucy, una casamentera profesional que debe elegir entre dos hombres en su propia vida.

Seamos sinceros, aquí no hay ninguna mala elección. Chris Evans es el ex que todavía la ama, pero solo puede ofrecerle la vida de un actor en apuros, y Lucy no quiere ser pobre.

Pedro Pascal es el multimillonario que realmente la escucha. El chileno, como de costumbre, es una mezcla perfecta de encanto y sinceridad.

Sin embargo, a pesar de la visión práctica y sin prejuicios de Song sobre cómo influye el dinero en las relaciones, nunca es cínica sobre el amor en sí.

Tras la primera película de Song, Past Lives, esta es otra joya de una de las cineastas más originales y con matices en la actualidad. (CJ)

Esta encantadora comedia británica está protagonizada por sus dos guionistas, Tom Basden y Tim Key, junto a una luminosa Carey Mulligan.

Key interpreta a Charles, un alegre y excéntrico ganador de la lotería que paga a su dúo folk favorito, Herb McGwyer (Basden) y Nell Mortimer (Mulligan), para que den un concierto en directo en la pequeña isla donde vive.

El problema es que el dúo se separó hace años, tanto profesional como personalmente, y Charles no les ha dicho a ninguno de los dos que el otro también estará en la isla.

Dirigida con sensibilidad por James Griffiths, The Ballad of Wallis Island (“La balada de la isla”) es todo un éxito.

Es generosa, sincera y pintoresca, y está llena de personajes que te importan, pero también es divertida de principio a fin.

El diálogo de Charles, en particular, está tan repleto de juegos de palabras deliberadamente malos y frases hechas que te dan ganas de volver a ver la película tan pronto como termina para captar los chistes que te perdiste la primera vez. (NB)

De las muchas películas que han tratado el tema de la fama en la era de las redes sociales, con su vínculo aparentemente cercano pero ilusorio entre los fans y las celebridades, pocas han sido tan logradas y actuales como este penetrante thriller psicológico.

En su primera película, el guionista y director Alex Russell (guionista y productor de The Bear and Beef) controla con maestría la trayectoria de la historia, en la que el personaje central cruza la línea que separa el fanatismo extremo de una relación parasocial tóxica.

Matthew (Théodore Pellerin) trabaja como dependiente en una tienda cuando entra el cantante de música pop Oliver (un carismático Archie Madekwe).

El entusiasta Matthew es aceptado en el séquito de Oliver, pero aunque la película nos muestra su perspectiva, eso no lo convierte en un héroe.

Como espectadores, nos incomoda la forma en que se deja ridiculizar y tratar como una mascota. Y cuando Oliver lo ignora, Matthew se vuelve loco.

Mientras que la mayoría de las películas sobre el fanatismo se dirigen directamente al horror, este retrato inteligente y escalofriante es más efectivo porque solo llega al suspenso del acoso.

En el camino, expone las raíces tan comunes de las ilusiones sobre la fama. (CJ)

Companion (“Compañera perfecta”), la película independiente estadounidense más incisiva del año hasta la fecha, está protagonizada por Jack Quaid y Sophie Thatcher, que interpretan a una joven pareja muy enamorada que se va a alojar con unos amigos en la remota casa de campo de un magnate ruso.

A medida que se desarrolla una noche de confesiones, sospechas y desacuerdos entre borracheras, al principio parece que la película podría ser una comedia romántica, o tal vez un thriller noir sobre un robo que sale mal.

De hecho, Companion es una comedia de ciencia ficción y suspense, pero más allá de eso, cuanto menos se sepa de antemano sobre la película, más se disfrutarán sus ingeniosos giros y vueltas.

Basta decir que el debut en la gran pantalla del guionista y director Drew Hancock es una sátira brillantemente entretenida sobre la tecnología moderna y el tema, más relevante que nunca, de lo prepotentes y misóginos que pueden llegar a ser ciertos jóvenes inseguros. Y todo ello en solo 97 minutos. (NB)

Por impresionante que fuera Black Panther, de Ryan Coogler, este se ha superado a sí mismo con Sinners (“Pecadores”).

Michael B. Jordan resulta astutamente convincente en el papel de los gemelos Smoke y Stack, que regresan de Chicago a su ciudad natal en Misisipi, en el sur segregacionista de 1932, para abrir un bar de música.

Con una gran ambición e imaginación, Coogler mezcla géneros y tropos familiares en una película totalmente original que difumina lo real y lo sobrenatural.

Sinners es una película de época y también un filme de vampiros. Es un drama sobre el racismo, la familia, la superstición y la espiritualidad, y viene acompañado de sexo apasionado y música blues estimulante.

Coogler dirige con brío, creando en ocasiones una fantasmagoría en la que músicos africanos con túnicas aparecen junto a raperos.

La primera hora está tan llena de matices que podría considerarse una película de época independiente, pero lo sobrenatural acaba irrumpiendo, lo que conduce a un final lleno de acción, sangre y venganza.

Jordan está rodeado de un magnífico reparto secundario, en el que se encuentran Delroy Lindo, Wunmi Musaku y Hailee Steinfeld.

¿Sexo, blues y vampiros a la puerta? ¿Qué más se puede pedir a una película? (CJ)

El fascinante documental de Miranda Yousef cuenta la historia, más extraña que la ficción, de Thomas Kinkade, uno de los artistas más vendidos de la historia.

Los críticos tacharon su obra de empalagosa y nauseabunda, pero en las décadas de 1990 y 2000 había tiendas por todo Estados Unidos dedicadas a las sentimentales pinturas de Kinkade de acogedoras casas de campo.

Art for Everybody plantea preguntas fascinantes sobre quién decide qué se considera arte legítimo y si algunas pinturas pueden ser más morales que otras, cuestiones que resuenan hoy en día, a la luz de las continuas guerras culturales en Estados Unidos.

Pero la película de Yousef, delicadamente equilibrada y sensible, es tan fascinante en cuestiones personales como en cuestiones sociopolíticas.

Una parte fundamental del marketing de Kinkade era su imagen pública cuidadosamente construida como un devoto cristiano y un hombre de familia típico estadounidense, pero el llamado “pintor de la luz” también tenía un lado oscuro.

¿Acaso las presiones de ser un Dr. Jekyll impecable le empujaron a convertirse en un Mr. Hyde autodestructivo? (NB)

Alex Garland, guionista y director de Civil War, y Ray Mendoza, veterano y asesor militar de la película, han creado un drama desgarrador, visceral y en tiempo real que recrea una batalla entre los Navy Seals y los yihadistas de al Qaeda.

La técnica virtuosa de Garland y la experiencia de primera mano de Mendoza en la guerra se fusionan en una película de enfoque inflexible, que nos sumerge en la intensidad del combate sin explicaciones ni antecedentes.

Sin embargo, los rostros de Joseph Quinn, Will Poulter, Cosmo Jarvis y D’Pharaoh Woon-A-Tai bastan para capturar el miedo y la determinación de estar bajo asedio.

Creando personajes alejados de la bravuconería de las típicas películas bélicas de Hollywood, los actores representan el valor en la batalla como una prueba de resistencia llena de terror.

La película nos sumerge en ese sentimiento. Es ruidosa e intensa, implacable en su lluvia de granadas y disparos, y cuando comienzan los gritos de dolor de los heridos, no cesan nunca.

Warfare es un logro técnico deslumbrante, pero es mucho más que eso.

Centrándose en el costo personal del combate y la violencia en sí misma, más que en la política del conflicto iraquí, reinventa la película bélica con una frescura y una inmediatez estimulantes. (CJ)

En lo profundo de la frondosa campiña francesa, Totone (Clément Faveau), un adolescente desaliñado y holgazán, tiene que cuidar de su hermana menor, Claire (Luna Garret), tras la repentina muerte de su padre.

¿Su solución a sus graves problemas económicos? Elaborar un queso de lujo galardonado.

La ópera prima de Louise Courvoisier Vingt dieux (también conocida como Holy Cow o “La receta perfecta”) es un drama conmovedor sobre el paso a la madurez, arraigado en la tierra de la región del Jura, donde creció.

La directora ofrece una visión realista y desde dentro de lo dura que puede ser la vida de los trabajadores agrícolas y lo doloroso que es cuando la juventud despreocupada da paso a una edad adulta implacable y responsable.

Pero también crea una historia cálida, romántica, con paisajes magníficos y, en última instancia, esperanzadora, sobre personas desfavorecidas que trabajan juntas bajo el sol para mejorar sus vidas. (NB)

Los dos héroes más grandes de Aardman están de vuelta, al igual que su adversario más astuto, un pingüino diabólico llamado Feathers McGraw.

Dirigida por Nick Park y Merlin Crossingham, la película nominada al Oscar “Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas” está repleta de las cualidades que hacen que las aventuras absurdas de Wallace y Gromit sean tan apreciadas: la minuciosa animación stop-motion con plastilina, los artilugios al estilo Heath Robinson, los guiños al cine clásico, el humor británico alegremente absurdo y el profundo afecto por los personajes y su mundo.

Por encima de todo, es un placer ver a Feathers McGraw, más de 30 años después de su aparición en The Wrong Trousers. Pero la nueva película del estudio con sede en Bristol es mucho más que la nostalgia caprichosa que cabría esperar.

Cuando Wallace inventa un gnomo robótico de jardín que realiza todas las tareas de jardinería favoritas de Gromit (y eso es incluso antes de que se vuelva malvado), la historia se adentra en el territorio de “Misión: Imposible” al abordar los temores sobre la inteligencia artificial. (NB)

La directora Rungano Nyoni, de gran talento, cuya película I Am Not a Witch (“No soy una bruja”, 2017) ganó un premio Bafta al mejor debut británico, realiza películas ingeniosas y accesibles con un gran estilo visual. Su última obra es un drama lúcido sobre el conflicto cultural y generacional.

La protagonista, Shula, es una mujer cosmopolita que acaba de regresar de la ciudad a su pueblo en Zambia.

Nyoni transmite esta disonancia de inmediato, cuando Shula regresa a casa después de una fiesta de disfraces vestida con un casco plateado brillante y gafas oscuras (un homenaje a un vídeo de Missy Elliott) y encuentra a su tío Fred muerto en un camino de tierra.

A medida que la historia nos adentra en los rituales funerarios tradicionales de la familia, se va revelando poco a poco que Shula y dos primas fueron abusadas por Fred cuando eran niñas, una realidad que sus madres dejan de lado mientras lloran la muerte de su hermano.

El estilo de Nyoni es realista, incluso cuando introduce imágenes surrealistas.

La narración sobre el secreto y el trauma de la agresión sexual va ganando fuerza hasta el final, cuando Shula recuerda un programa de televisión infantil y el título de esta impresionante película finalmente cobra sentido. (CJ)

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